mercoledì 24 giugno 2015

Lateral Search Engine

Lateral Search Engine
The day that Google stopped working

Maybe - well, no: definitely - I do not have the skills to carry out this project, perhaps already it exists in some other forms that I don't know, almost certainly is an idea that I can hardly put into practice, but it is a project that I'd hate to leave " in the form of notes" in one of my notebooks. A "lateral" search engine. If the normal search engines classify the information's reality (with criteria more or less valid, more or less monetary) the "laterlat" search engine performs researches "horizontally", not in order of importance but according to other criteria of relevance (or not-relevance), for example :

- Synonyms
- The same search but in another language
- The opposite of the term sought
- An anagram of the word sought

... And so on. This type of  "lateral" search engine may be used by the creatives, perhaps specifically by lazy creatives, those who do not have ideas, by those who want to leave the door open to am unexpected search, probably not correct, but overt to possible alternative visions of the search. The major issue to be addressed would be the starting database: however, it is the support of a search engine that already exists, but creating a kind of filter between the user and the engine, which subverts the research carried out.

lunedì 22 giugno 2015


from Flickr


The kipple is the "thing" that, walking the streets,
we see on the ground but we do not know exactly what it is,
or rather what it was: perhaps a piece of a bumper,
of an umbrella, of an ice cream spoon,
if it is plastic, metal or fabric,
with molded smooth edges or rough ones for the break-point.

The streets of every city are strewn with amorphous fragments,
escaped the garbage but in any case not recyclable,
moved in space by the passage of a car
or by a gust of wind stronger than usual,
handheld briefly by curious children
before their mothers told them to throw away it
saying "do not pick things off the ground."

Without a purpose, the shape unusable,
the kipple takes part, indeed it has a perennial farewell
from the universe of things that humans produce and use;
subjected to the action of weather and using
it is the first line to fall in the war of everything
against the inevitable entropic matter's destiny.

The kipple is also a messenger, a time traveler from the future
telling a truth that no one wants to hear:
all the matter, sooner or later, breaks up, transforms,
returns to the shapeless state from which for a short period
it was torn by the genius of the man who organized it,
first with the thought and then with the hands,
to meet a need, to chase a desire.

Ironically, if the man is not a mistake of evolution
but one of the steps towards the complexity
and man in turn produces unconsciously and naturally kipple
the circle is closed and disorder back to the disorder.




Kipple is a word coined by the remarkable science fiction writer Philip K. Dick.
It refers to the sinister type of rubbish which simply builds up without any human intervention. Eventually, one day, the entire world will have moved to a state of kipplization.

From Phil Dick's "Do Androids Dream of Electric Sheep?" 

JR - Kipple is useless objects, like junk mail or match folders after you use the last match or gum wrappers of yesterday's homeopape. When nobody's around, kipple reproduces itself. For instance, if you go to bed leaving any kipple around your apartment, when you wake up the next morning there's twice as much of it. It always gets more and more. 

Pris - I see. 

JR - There's the First Law of Kipple, "Kipple drives out nonkipple." Like Gresham's law about bad money. And in these apartments there's been nobody there to fight the kipple. 

Pris - So it has taken over completely. Now I understand. 

JR - Your place, here, this apartment you've picked - it's too kipple-ized to live in. We can roll the kipple-factor back; we can do like I said, raid the other apartments. But - 

Pris - But what? 

JR - We can't win. 

Pris - Why not? 

JR - No one can win against kipple, except temporarily and maybe in one spot, like in my apartment I've sort of created a stasis between the pressure of kipple and nonkipple, for the time being. But eventually I'll die or go away, and then the kipple will again take over. It's a universal principle operating throughout the universe; the entire universe is moving toward a final state of total, absolute kippleization.



Kipple seems to be a combination of entropy and capitalism. 
I don't think past civilizations had the resources to produce so much packaging
to hold our stuff until we buy it or consume it.

Don't forget the First Law:
"There's the First Law of Kipple… 'Kipple drives out nonkipple'."

Kipple is useless objects, like junk mail or match folders after you use the last match or gum wrappers or yesterday's homeopape. When nobody's around, kipple reproduces itself. For instance, if you to go bed leaving any kipple around your apartment, when you wake up there is twice as much of it. It always gets more and more. No one can win against kipple, except temporarily and maybe in one spot.

According to the philosopher of kipple in the novel, J.R. Isadore, "the entire universe is moving toward a state of total, absolute kippleization." Physicists will note the similarity to the concept of entropy, which is most usually taken to refer to the tendency of closed systems toward increasing disorder.

I like the definition taken from classical thermodynamics, that entropy is a quantitative measure of the amount of thermal energy not available to do work. In the 21st century, we seem to be working as hard as we can to take available resources and transform them into objects that cannot be used for anything (kipple). We are doing this socially as well; by using welfare, we encourage our human resources not to do work, either. If we can recycle paper, we can recycle people, too.

Are you having a little problem with kipple where you live?
Maybe you need the high tech trash can from Islands in the Net, by Bruce Sterling

"Is there a relationship or correlation between kipple and noise? Audible kipple? Does noise somehow accumulate the way kipple does? If so, what does it leave behind? "
( 4/28/2004 4:41:22 PM )

"Interesting thought. Urban environments have a lot of "waste noise" (as opposed to useful noise, like the sound a garbage truck makes when it backs up!). However, noise tends to dissipate; it is absorbed by objects and is attenuated by its passage through the atmosphere. Unlike kipple, which never seems to go away. On the other hand, Frederick Brown wrote a stunningly original story called The Waveries in 1945, in which sounds had a life of their own. (Philip K. Dick called that story one of the best he ever read.)"
(Bill Christensen 4/28/2004 5:45:03 PM )

"Dick's novel Do Androids Dream of Electric Sheep? was not "Published by Del Rey in 1968." It was published in 1968 by Doubleday. Del Rey is one of the paperback reprinters who eventually issued it, though not the first. (Got it, thanks! -Bill)"
(Gregory Feeley 7/10/2005 8:17:49 PM )

"E-waste seems a lot like specific kipple to me. Objects that have outlived their usefulness and cannot be recycled and as such, have nowhere to go but on the floor."
(Mysterious Bill 3/23/2010 5:51:47 PM )

"The analogy of Kipple to the social products of a welfare system is quite repulsive. It brings an unnecessary socially normative dimension into the trash-definition as intended by Dick. "
(Boris 3/19/2012 4:18:56 AM )

"Just realized a more horrifying concept - Kipple that can create more kipple, self-replicating waste. "
(Gatomon41 4/23/2013 10:36:32 PM )



Symbolism, Imagery, Allegory
Don't look, but chances are there's kipple hanging around your life somewhere right now.

No, no, it's not you specifically—it's just that kipple is everywhere, because it's the representation of decay and degeneration in physical form. In Do Androids Dream of Electric Sheep?, it's really everywhere. World War Terminus has left our home planet in an awful mess: entire cities have been leveled, radioactive dust is getting in everyone's hair, and people have left the planet to go seek a new existence in the space colonies—leaving behind all their stuff. As that stuff rots and decays, it becomes kipple.

Isidore describes it:

"Kipple is useless objects, like junk mail or match folders after you use the last match or gum wrappers or yesterday's homeopape. When nobody's around, kipple reproduces itself. For instance, if you go to bed leaving any kipple around your apartment, when you wake up the next morning there's twice as much of it. It always gets more and more." (5.23)

So, in other words, just like the dishes in our sink?

We kid, we kid. But that does give you an idea of what this means. The decay of an entire planet or species might be too much for us to fully grasp, but we experience the disrepair of consumer goods in our everyday lives. Anyone who has ever maintained an attic, rented out a storage unit, or had a locker can tell you how true this is. As we collect stuff, and the stuff just spreads out, growing in number, expanding the mess as it goes, bringing disarray into our lives with a tsunami of junk.

Is there hope against this state of decay? Maybe:

"No one can win against kipple," [Isidore] said, "except temporarily and maybe in one spot, like in my apartment I've sort of created a stasis between the pressure of kipple and nonkipple, for the time being. But eventually I'll die or go away, and then the kipple will again take over." (5.31)

Maybe it's time to buy a tiny house.



About 3 months ago photographer Dan Tobin Smith set up a website to ask the public to donate kipple: junk that was lying around their house. “It’s time to free yourself of the pointless or unused objects in your life,” read the plea. “Give them a purpose as part of Dan Tobin Smith’s installation for the London Design Festival 2014.”

Sure enough, the donations began coming in and in no time at all Smith had enough junk on his hands to create a sprawling installation that filled an entire floor and mezzanine, “carpeting 200-square-metres with a dense, precise, chromatically-themed arrangement of thousands of objects.” The objects are so carefully placed that gradients seem to blend together seamlessly.

The fictional word Kipple was coined by science fiction writer Philip K Dick. Kipple appears in his 1968 novel “Do Androids Dream of Electric Sheep” (the film adaptation was Blade Runner) and is used to describe useless, pointless stuff that humans accumulate. It served as the inspiration for Smith’s installation “The First Law of Kipple,” which was part of London Design Festival this month.

domenica 21 giugno 2015

Un articolo paradossale sul tempo necessario per capire un’opera d’arte.

“No time for losers 'cause we are the champions”
(Queen, “We are the champions”, 1977)


Un articolo paradossale sul tempo necessario per capire un’opera d’arte.

Ultimamente mi sono ri-trovato (nel senso che l'ho già fatto in passato) a ri-flettere (nel senso di "piegare" le sinapsi verso nuovi percorsi neurali) su quanto tempo sia necessario trascorrere di fronte ad un'opera d'arte. A quella mostra sono stato troppo poco tempo? Avrei potuto fare altro e invece ho perso troppo tempo di fronte a quell’installazione? Si potrebbe vedere la questione anche da un altro punto di vista: l’artista ha perso troppo tempo con quell’opera rispetto a quello che aveva da dire realmente? L’artista ha dedicato troppo poco tempo rispetto a quello che avrebbe potuto dire con quell’opera? Da qualche parte bisognerà pur iniziare, dunque restiamo “osservatore-centrici” e riduciamo le ipotesi a quelle che vedono sul campo due soli giocatori: l’opera e il suo osservatore.

Potrei iniziare con le obiezioni e dunque rispondere con le precisazioni di rito: alla Prima Facile Obiezione “dipende dal grado di attenzione dell’osservatore”  rispondo con un postulato: “facciamo finta” che ci siano tutte le condizioni necessarie affinchè l’attenzione dell’osservatore sia al suo massimo grado ottimale; la giusta disposizione d’animo; nessuna incombenza che metta fretta all’osservatore; una condizione fisica riposata e reattiva; nessun rumore di fondo (quindi un’esposizione non troppo affollata, il cellulare che miracolosamente non squilla proprio in quel momento).

Poi, c’è la Seconda Facile Obiezione: “dipende dall’opera d’arte”. Postuliamo ancora, quindi, che anche l’oggetto d’arte in questione sia efficace, comunicativo, ben disposto nell’emanare attorno a sè la giusta dose di contenuti.

Fatte queste premesse, si danno questi casi.

a - l’osservatore si ferma per poco tempo di fronte ad un’opera che richiede molto tempo
b - l’osservatore si ferma il tempo “giusto” di fronte ad un’opera che richiede molto tempo
c - l’osservatore eccede nello stare di fronte ad un’opera (anche se lenta) e “perde tempo”


d - l’osservatore si ferma per poco tempo di fronte ad un’opera che richiede poco tempo
e - l’osservatore si ferma il tempo “giusto” di fronte ad un’opera che richiede poco tempo
f - l’osservatore eccede nello stare di fronte ad un’opera (veloce) e “perde tempo”

Sintetizzando ancora, possiamo dire: dato un tempo necessario T2 per far sì che l’opera possa comunicare al suo osservatore un contenuto, e il tempo T1 trascorso di fronte all’opera dall’osservatore...

T1 = T2 il tempo messo a disposizione dall’osservatore è uguale a quello richiesto
T1 < T2 il tempo messo a disposizione dall’osservatore è insufficiente a quello richiesto
T1 > T2 il tempo messo a disposizione dall’osservatore eccede quello richiesto

Se invece vogliamo mettere al centro del teorema (e mantenere fisso) il tempo a disposizione dell’osservatore, e far variare il tempo necessario all’opera per “dire tutto quello che ha da dire”, potremmo affermare che...

T2 = T1 l’opera necessita esattamente del tempo messo a disposizione dall’osservatore
T2 > T1 l’opera ha bisogno di troppo tempo rispetto a quello disponibile dell’osservatore
T2 < T1 l’opera ha bisogno di meno tempo rispetto a quello disponibile dell’osservatore

Il caso T1 = T2 e viceversa è quello che definirei “stato di grazia”, immagino che sia molto raro; dietro ad una parvenza di comunicazione perfetta nasconde il fatto che tutto il dialogo tra l’opera e l’osservatore si esaurisca; se l’osservatore ripassasse di fronte all’opera, non ne trarrebbe niente di più di quello che già sa. Immaginando il rapporto tra opera ed osservatore come una relazione amorosa: una coppia stanca che non ha più nulla da dirsi.

Il caso T1 < T2 e viceversa è quello in cui uno dei due elementi in dialogo avrebbe di più da dire, ma l’altro non ha abbastanza tempo; a fronte di una incomprensione dell’opera, che avrebbe di più da dire ma “non c’è tempo” per dirlo, forse lascia aperti spiragli di “ritorno” per riprendere il dialogo e scoprire, dunque, cose che al primo impatto, e al primo tempo concesso, erano sfuggite. Una sorta di secondo innamoramento, una riscoperta del rapporto di coppia.

T1 > T2 e viceversa è il caso in cui l’osservatore ha un’aspettativa più elevata rispetto a quanto l’opera d’arte ha da dirgli, oppure l’opera ha un messaggio più conciso rispetto a quello che l’osservatore si aspetterebbe; si apre dunque la possibilità al fraintendimento, cioè al fatto che l’osservatore, perdendo tempo di fronte ad un’opera, le attribuisca significati che non ha. Uno dei due membri della coppia “si era fatto illusioni” sul loro rapporto, ed ha attribuito un valore troppo elevato ad una relazione che, di fatto, non lo aveva.

Se ipotizziamo una sommatoria di tutto il tempo necessario alle opere di una galleria d’arte oppure di una mostra, se il tempo totale messo a disposizione dall’osservatore è minore di quello necessario alle opere forse non ha capito di che cosa si tratta; ma, ripassando una seconda volta, forse potrebbe cogliere aspetti nuovi – sperando che ritorni, si ravveda, voglia provare di nuovo. Se il tempo totale dell’osservatore è maggiore della sommatoria di quello necessario alle opere, l’osservatore ha perso il suo tempo a stare in quella mostra, oppure ha compreso male il messaggio delle opere attribuendo significati oltre quelli previsti dall’artista. Se il tempo totale dell’osservatore è uguale a quello necessario alle opere la mostra oppure l’esposizione galleristica ha comunicato tutto il comunicabile, e l’esposizione è conclusa.


T1 – T2 = 0 esposizione efficace e conclusa
T1 – T2 > 0 perdita di tempo oppure attribuzione di significati oltre quelli decisi dall’artista
T1 – T2 < 0 le opere hanno ancora qualcosa da dire, l’esposizione è ancora aperta

Date tutte queste premesse, e considerato che è impossibile al “primo colpo” stabilire quanto tempo è necessario stare di fronte ad un’opera d’arte (dunque scartiamo questa prima ipotesi), conviene: non avere la pretesa di sapere esattamente quanto tempo è necessario stare di fronte ad un’opera d’arte; paradossalmente meglio starci poco, ma tornare di nuovo una seconda volta, cercando di avvicinarsi per approssimazioni al totale del tempo che sarebbe necessario ad una piena e perfetta comprensione. E’ un po’ come giocare a “sette e mezzo”: ad ogni nuova carta chiesta al banco, aumenta la possibilità di arrivare alla soglia di valore necessaria per vincere, ma nel contempo aumenta anche la possibilità di sballare ed eccedere questo valore, perdendo la partita.

Se poi ci troviamo di fronte a capolavori che, nel tempo, sanno trasmettere illimitatamente significato, oppure sono “costruiti appositamente” per lasciare aperto uno spazio ampio affinchè sia l’osservatore a dare la sua interpretazione, capiamo il primato e al contempo il limite mortale di molta arte contemporanea; che da un lato spinge verso l’infinito il tempo necessario per essere capita (oppure non pone un limite lasciando che sia l’osservatore a decidere “quando basta”), ma dall’altro disorienta perchè smonta alla base le equazioni così radicate nell’istinto della nostra psicologia comportamentale secondo le quali il tempo è una risorsa scarsa, e deve dare risultati apprezzabili rispetto all’uso che se ne fa.

sabato 20 giugno 2015


Provo a contare quante volte ho sofferto di aura nella mia vita. Non saprei esattamente, non ho tenuto il conto, mai avrei detto che avrei scritto qualcosa al riguardo, né certamente che avrei cercato nell'aura una qualche relazione con la mia arte. Comunque, all'incirca: una ventina di volte. Mi è servito parecchio tempo per capire di che cosa si trattasse, e darle un nome: essendo un fenomeno piuttosto raro, non ne ho mai parlato con il mio medico.

Soltanto in seguito alle ultimissime manifestazioni d'aura ho iniziato ad interessarmi maggiormente a questo fenomeno. Forse sono stati episodi più sconvolgenti di quelli passati, forse voglio esorcizzare il loro ripresentarsi, forse li temo oggi molto più che in quel periodo della vita in cui tutto passa in fretta, il futuro è vastissimo e ci sono troppe cose a cui pensare per soffermarsi sui propri malesseri.

Essendo un fenomeno non ancora del tutto compreso, e non essendo stata messa a punto una cura per esso, la lista delle cose da evitare per far sì che non accada è puramente ipotetica, dettata dal buon senso più che dalla scienza medica.

> stati di stanchezza psicofisica
> stress visivo
> alimentazione (alcool, latticini, zuccheri, diabete, caffeina)
> pasti disordinati
> composti chimici (farmaci, coloranti, fumo, nitrati, glutammato, tiramina)
> problemi di pressione sanguigna
> problemi ai recettori nervosi
> problemi neurovegetativi (mancanza di sonno, anomala quantità di serotonina)
> odori, rumori, allergie, ecc.

Per esperienza posso affermare che sì, effettivamente quando ho avuto episodi d'aura avevo poco prima "contravvenuto" a qualche precetto della lista; tuttavia, e questo mi fa sorgere sospetti sull'efficacia dei consigli sopra citati, quando ho provato a trasgredirne qualcuno non sono mai riuscito ad indurre in me volontariamente un fenomeno d'aura. Questo fatto mi sorprende: c'è qualcosa in me che sa se sto barando oppure no, se mi aspettavo qualcosa o meno, entriamo forse nel campo misterioso della psicosomatica.

Un salto logico notevole è pensare all'aura in senso "artistico" ed "immaginifico" oppure, almeno, in qualche modo correlato alla sfera della creatività. D'altro canto non sarebbe la prima volta che questo fenomeno viene scambiato per altro. Pare infatti che ne fosse affetta tra gli altri Santa Teresa d'Avila, che interpretò lo scotoma scintillante come - addirittura - le porte del paradiso. Che cos'è dunque l'aura?

L'aura si presenta con uno scotoma scintillante: si tratta di una sorta di tempesta cerebrale, cioè un'onda di intensa attività delle cellule nervose che si diffonde attraverso una zona insolitamente ampia della corteccia, particolarmente focalizzata nelle aree occipitali che controllano la visione. Il neurone inibito normalmente scarica i neurotrasmettitori e quando la membrana è depolarizzata subito si iperpolarizza per un breve istante; se il neurone resta eccessivamente iperpolarizzato o inibito, può richiedere maggiore o minore energia se è in fase eccitata o quiescente, e di conseguenza un flusso sanguigno superiore o inferiore a seconda dello stato in cui permane, scatenando un'onda elettrica progressiva; l'onda si propaga nella corteccia a una velocità tra i 2 e i 3 millimetri al minuto, e le anomalie visive che accompagnano l'aura si diffondono nei campi corticali a quella velocità.

L'aura è caratterizzata da sensazioni estremamente spiacevoli che possono durare da 5 a 15 minuti, più raramente oltre i 30 minuti e fino ad un'ora. Lo scotoma scintillante si presenta sia lateralmente limitatamente ad un solo emicampo, sia in entrambi i campi visivi e di conseguenza su tutta la visione stereoscopica. Durante l'aura non si avverte nessun dolore alla testa; si ha la comparsa nel campo visivo di una particolare sensazione luminosa che assume quasi sempre l'aspetto di un arco irregolare, linee spezzate o greche, o un tratto costituito dal susseguirsi di questi aspetti combinati, di densità fiammeggiante e liquida, con puntini e riflessi lampeggianti e sfrigolanti di colori blu, giallo, rosso,verde e bianco, solitamente a decorso progressivo partendo da alcuni punti (teicopsie) che formano lentamente delle linee spezzate (spettri di fortificazione). In una fase acuta più o meno lunga possono arrivare a occupare gran parte del campo visivo, per poi affievolirsi gradualmente e svanire.

Dunque, una sorta di cecità neurologica. Durante un episodio d'aura, sono in balia della mia realtà organica: l'essere fatto di ingranaggi "materiali" che, per un certo tempo, smettono di funzionare come dovrebbero. Ma non è solo questo: durante l'aura, tra perdita di equilibrio, nausea e tachicardia, perdo coscienza di un pezzo di mondo che diventa a me invisibile, e allo stesso tempo di un pezzo di me: lo stato confusionale che ne deriva è simile per certi versi ad alcuni stati di dormiveglia dove pensieri e sogni si confondono, si accavallano, sono difficili poi da ricordare; dunque permane la sensazione di "esserci", ma non saprei poi dire dove né come. Fino ad oggi il concetto che la realtà circostante esista solo grazie all'osservatore è già stato masticato da molti e sotto molti punti di vista; il fatto che - al contrario e al contempo - la mente smetta di esistere (o di funzionare come dovrebbe) quando viene a mancare la realtà circostante, oppure un frammento di essa, è forse meno indagato. Dunque è anche tutto ciò che percepisco che fa sì che la mia mente sia così come è.

Mi chiedo anche - nel caso in cui il sovraccarico neurale di informazioni sia la causa principale scatenante dell'aura - se sia possibile "costruire" ad hoc un'opera d'arte che la induca: qualcosa di così complesso, così comunicante, come un fiume in piena di stimoli percettivi, che faccia scattare nella mente degli osservatori l'interruttore di sicurezza. Se sia possibile concepire e realizzare un'opera tale, e se la negazione fisica neurologica di essa sia percepita da tutti allo stesso modo (oppure, se ci siano persone più soggette al tilt percettivo di altre). Un'opera d'arte che sia il confine ultimo, la pietra miliare oltre la quale, così come siamo fatti geneticamente, non si possa andare.

venerdì 19 giugno 2015

Katerina Nikoltsou (Greece) for HOUS@RT call

Mailart from Katerina Nikoltsou (Greece)

On a brown background white shapes move circularly, they might be traces of paint, or based cup profiles; not completed in their movement, coming out from the edges of the mailart. Three strips of paper give the impression of a vertical and a horizontal movement, transparent, readable in descending order from right to left, if we observe the edge cut diagonally, coinciding with the next fragment; in the empty spaces, where we expect the continuation of the paper strip, orange circles with ink glyphs lean with the silhouettes on the circular tracks below, creating a relationship between the upper layer and the lower layers of the mailart. The general movement of the surface, therefore, relates to the deepest layers of the background.

Linda French (USA) "Beach... / Bowl... / Subterranean..."

Linda French (USA)
Beach Music / Bowl and Frog / Subterranean Doodad

The envelope containing the mailarts prepared by Linda French for the call is full of colored sheets, and here I come once in a translation problem: I would use the word "campitura" to indicate a concept that I can not translate into English from Italian, I can get close to it only by approximation, I could say hues, shades, fill type and trasparency level, plot below the covering color… but I'm pretty sure I will not make know perfectly the idea.

The window of clear plastic in the envelope which should correspond to the address of the recipient is covered with an additional color crafting, it might seem a graph, a double electroencephalogram in red and purple. Inside the envelope there are three mailarts of the playing cards' sizes.

The first artwork, dated 2013, is titled "Beach Music". It's a web of lines and spaces in black and white, in a sort of winding path and moves without too many sharp corners; the concentric movements delimit spaces filled from different weavings.

The second artwork, dated April 2015, is titled "Bowl and Frog". Under the text print "odd juxtaposition" we find a US postage stamp, depicting a frog of the species "ornate chorus", and just below it a bowl from the stretch sketched, cut out and painted blue. I do not know why, but I had immediately an oriental impression, caming to my mind those zen koan that serve to defuse the traps of logical and channeled way of thinking, in paths preconceived.

The third artwork, dated May 2015, resumed coincidentally my translation difficulties about which I wrote above; it is titled "Subterranean Doodad", and I can not find an italian word to translate the concept of "doodad", if not, perhaps, the concept of "kipple" expressed by P. Dick in his science fiction novels. The mailart presents layering of colored cardboard, dashed to look like rocky patterns, but also perhaps boundaries or topography and elevationt lines; in the background there is a stripe of  a glittering green, and in the center of the composition there is a sort of circular little plastic gear, perforated, as the green stripe in the background. The plastic element in a subterranean natural transforms the composition in a sort of search path, between different meanings and possible interpretations in line with the other two mailarts sent.

mercoledì 17 giugno 2015

"Tunnel Mazemusic" by J. Weirmeir, San Diego, CA USA

Jude Weirmeir - San Diego, CA, USA

The artwork is revealed as a very special book.
On the back cover, the artist has added the "operating instructions".
On the right side of this page, how to andle the artwork:
the book opens like an accordion, and it has a special cut for the observation.
It makes immediately think of some strange machines of the late nineteenth century,
a kind of cinematographic "trompe l'oeil", a diorama.
On the left of the instruction's page there is an illustration,
the description of the sounds' emission in the human vocal apparatus:
 it combines the physiological  precision with elements very imaginative,
in a sort of pataphysics pseudoscience.

Looking through the window cut,
it is hard to describe "what you see"
both for the amount of detail that for the provision perspective;

- Scores that become labyrinthine paths
- Musical notations that are transformed into graphic signs
- Textual descriptions of sounds, onomatopoeia, signs of path
- Eyes, hands, tongues, palates, silhouettes of human figures
- Brains, cells
- Bicycles, boxes, buildings, parachutes
- Sheeps, divers

The last layer, despite the scrap of the stacked cardboards,
that in every "step" of the gaze reveals more details,
remains instead hidden; in shades of red
hiding perhaps a medieval illustration,
you can only see it "cheating", peering sideways,
compared with the structure
accessible only to the look through the window.

The artwork plays on the sense of depth,
the movement of the viewer's eye,
not only on the horizontal but also in vertical,
in a kind of movement beyond the surface,
grow and unveiling of the totality of the work;
as if, just as the artwork's title says,
we were in a sort of space
enclosed and woven by a musical labyrinth.



venerdì 12 giugno 2015

L'altrui sguardo / The eyes of the others

I asked six people to describe one of my artworks. This is the result: "L'altrui sguardo" [The eyes of the others]. You can listen to their interpretation of what they are watching, but you can not directly see the artwork...

Andrea Roccioletti
P-Ars 2015


E. Coles, "Direction finding"

"Direction finding"
E. Coles, Cardiff.

The mailart presents collage's layers.

A - The background is white.
B - The first layer, of white rough paper, has a square cutout.
C - The second layer is represented by two strips of wrapping paper.
D - The third layer are strips of written pages.
E - At the center of the composition there is a point of black cloth. Its location is indicated by a black ink triangle.

The territory where the interpretation of the observer moves is therefore between:

1 - areas and carriers
2 - different matter quality
3 - shades of the same color scale
4 - text's fragments, comprehensible and incomprehensible
5 - care cut edges and torn edges

The only different material present in the composition is the central point, of cloth instead of paper, also the only circular shape, without sharp edges. Perhaps a possible interpretation of this composition is the "direction finding" between similarities and differences, to find the intruder, that is both the central point: so in view, but recognizable in its essence only after covering all that surrounds it in the composition.

* * *

sabato 6 giugno 2015

EFFACES - art is not immortal

art is not immortal

Art is not immortal. Perhaps it outlasts the lives of many,
nevertheless art will not escape the laws of physics.

The art ends, in a physical sense:
it is made of matter, and matter is transformed,
despite the best attempts to preserve it.

The art ends, in a conceptual sense:
the man changes, changing the views on an artwork.

There are artworks that materially challenge the time?

The artist arrange at his best, with tools and knowledge,
so the art resist as long as possible.
The pyramids will be eroded by the winds,
the Sistine Chapel needs restoration,
The Damien Hirst's Shark, in the long run, will rot.

There are artworks that materially follow the time?

Some artists create artworks that,
today instead that tomorrow, are different.
The landart, using natural materials - if not even organic - 
follows the rules of the transformation cycle.

There are artworks that materially are born with an expiration date?

Living in the actions of their creators,
and in the observation of their audience only for a certain period,
the performances may fall in this category;
remains photo documentation, or video,
but it is always matter, and it must be copied and reproduced
countless times in order to survive,
and who can say if in each subsequent copy
the underlying code to the meaning will fade or not.

There are artworks that conceptually challenge time?

The idea contained in some artworks is eternal,
perhaps because it binds to the archetypes 
rooted deeply in the human being.
Shakespeare's works speak
to the man of yesterday as to the man of tomorrow,
I wonder if, one day, the humankind will change to the point
of no longer recognize himself in the one
represented in these literary masterpieces.

There are artworks that conceptually follow time?

What it could be said changes
as well as changes the one who watches.
The universe observed by Ptolemy
will never be the same when it will be observed by Copernicus,
and who knows how many times it will change again;
it will remain the same, of course, and seeing it grasps different aspects;
but considering it in one way rather than another
causes a different act against it,
and so a different reaction from the universe.

There are artworks that conceptually are born with an expiration date?

Ideas that will not survive the time,
and will be only history, dead language.
Pharaoh was a god, now he no longer is;
my inner self it's so valuable today, tomorrow it will no longer exist.

We know about the entropy of the matter,
as well as the entropy of information.

A closer look, and the matter or the information
are in a state of non-entropy
according to  the human perception, or attribution:
if it is "useful" then it is not "entropy".

Yet, all the possible entropic states
of the matter and of the information
contain forms equally worthy to exist
that simply do not concern us
and our point of view about using them.

Some forms of matter and information
seem to be more resistant to the entropy of others;
the limit of social networks, on which easier becomes viral
the simple information, at risk of becoming superficial.

The physical medium of artworks, by its nature,
in the classical era has at its center the search for resistance to entropy;
in modern times, its fragility
about falsification, processing and disintegration
tells us of a world that has become heaving beneath our feet,
or requiring an evolutionary leap to accept its transience;

evolutionary leap that certainly will not leave our humanity intact.